Lygia Pape - A mão do povo

Documental realizado en 1974, aborda principalmente la desaparición de las artesanías de origen popular.
Pape se integra al denominado movimiento Cinema Novo, estos documentales - filmes, tratan cuestiones sociales, un cine marginal.

En A mão do povo, se realiza un compromiso con la cultura material del pueblo, la miseria es un denominador común. que desencadena en un proceso creativo.

Dice Pape: " Reconocemos un Tropismo constructivo en el arte brasileño que con facilidad se refiere al origen del indio,el africano, el objeto reciclado (...),
la permanencia de elementos geométricos de los carnavales, las colchas de retazos mineiras, las cerámicas populares, la arquitectura espontánea a la vera de la playa”.

El filme se aproxima en su título y en su enfoque, a una discusión más amplia sobre la cultura popular en Brasil durante las décadas de 1960 - 1970.

A Mão do Povo Brasileiro

Al valorizar una producción frecuentemente marginalizada por el museo
y por la historia del arte, el Museo de Arte de San Pablo (MASP),
conocido por su colección de obras europeas, realiza un gesto radical de descolonización.

https://masp.org.br/exposicoes/a-mao-do-povo-brasileiro-19692016

Descolonizar el museo, significa, repensarlo a partir de una perspectiva de abajo para arriba, presentando el arte como trabajo.

En ese sentido, tanto una pintura de Cándido Portinari en cuanto una azada, son consideradas un trabajo, una noción que supera las distinciones entre arte, artefacto y artesanía.

Documental : Bauhaus - El rostro del siglo XX

Este documental lanzado en 1994, acompaña el recorrido de la Bauhaus desde su fundación en Weimar por Walter Gropius hasta sus últimos momentos entre 1931 y 1933 en la ciudad de Berlín.
El video ofrece una visión general de la escuela y sus enseñanzas, dejando en claro cómo su influencia se ha mantenido hasta el día de hoy.

link Youtube
https://www.youtube.com/watch?v=m_TrRPoxdec

Documental / Cholet: The Work of Freddy Mamani (Cholet: el trabajo de Freddy Mamani)

"Mi arquitectura no es arquitectura exótica, sino una arquitectura andina que transmite identidad y recupera la esencia de una cultura" - Freddy Mamani

Documental
Cholet: The Work of Freddy Mamani (Cholet: el trabajo de Freddy Mamani)
Dirigido por Isaac Niemand

link para ver desde Youtube
https://www.youtube.com/watch?v=_KjPQPQTgZo

link para ver en mejor calidad desde Plataforma Arquitectura
https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/919757/cholet-mira-aqui-el-documental-completo-sobre-la-obra-de-freddy-mamani

Malevich se suma al reto

Cuadrados Negros

 Laurence Sterne - Tristram Shandy - 1769

 

Robert Fludd - The great Darkness - 1617

 

 Kasimir Malevich - 1915

Cuadrado Negro

 Mark Rothko - Sin título (negro sobre gris) 

1969 - 1970

Nelson Henricks - 2019

Lacuna ( Alas Poor Yorick!)

http://www.paulpetro.com/exhibitions/532-Lacuna-

Link, nota sobre lás páginas negras del arte

https://journals.openedition.org/trans/1108?lang=es

conceptos de arquitectura desde el teclado

BIENAL SUR 2019 / FRICCIONES en el Centro Cultural Paco Urondo

BIENALSUR es la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur.  Organizada por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) esta segunda edición cuenta con artistas y curadores de los cinco continentes.

Países participantes en la  BIENALSUR 2019: Guatemala, Colombia, Venezuela, Perú, Bolivia, Chile, Uruguay, Argentina, Francia, Japón, España, Berlín, Australia.

Curaduría: BIENALSUR -  Fernando Farina/ Juan Fabbri

Artistas: Enrique Ježik (Arg/Mex), Teresa Margolles (Mex), Katia Sepúlveda (Chile), Lorysmar Graciela Franco Andueza (VEN/CHE), Beatriz Millón Sánchez (MEX), Tamara Kostianovsky (ISR/ARG/USA), Juan Carlos Romero (ARG), Claudia Coca (PER), Antonio Turok (MEX/USA), Martín Di Girolamo (ARG) Vera Martins (BRA), Carolina Simón (ARG/MEX), Claudia Joskowicz (BOL/USA), Serena Vargas (BOL), José Ballivián (BOL), Marcelo Masagão (BRA).

Se exhibe la muestra FRICCIONES, proyecto que aborda la problemática del   postcolonialismo con artistas de distintas procedencias. Se encuentra en diálogo simultáneo con su par en el Museo Nacional de Arte de La Paz, Bolivia 

( https://bienalsur.org/es/today/71 )

 

Eje memoria y olvidos: Las obras aquí agrupadas aluden a cuestiones de memoria en distintos niveles, a los pasados traumáticos y a las memorias de violencias dictatoriales y los modos en que las artes atraviesan aspectos ligados a los derechos humanos 

Eje cuestiones de género: trabajos que refieren a las perspectivas de género, la politización de los cuerpos y la mirada crítica sobre la perspectiva patriarcal y heteronormativa -problemáticas transversales en todos los países y a todos los demás ejes temáticos.  

Eje arte/ciencia - arte/naturaleza: La conjunción conceptual como una plataforma de diálogo horizontal entre modos de abordaje y de pensamiento, y la problemática de Tránsitos y Migraciones -asociada también a cuestiones ligadas tanto al control, a los territorios como al desarraigo y la discriminación. 

Eje arte y espacio público - arte y acción social: La concepción del arte como un hecho que ocurre no sólo en museos y espacios tradicionales de exhibición, sino como un fenómeno que se inserta en el propio tejido urbano y social, apelando a la interacción y a la integración de la comunidad. 

Eje paisaje: En articulación y como subtema de arte y naturaleza busca poner en juego la tensión existente entre el tradicional concepto de paisaje, aquel que representa a la naturaleza en estado puro y salvaje, y las producciones artísticas contemporáneas.

Eje trabajo: Remite a un conjunto de obras que revelan la preocupación contemporánea por este tema entendiendo a la ocupación, al trabajo, como derecho inalienable del ser humano, actualmente amenazado por las dinámicas económicas contemporáneas. Con él, las formas en que desde el arte se opera con las dimensiones cotidianas, así como las maneras en que contribuye a la formulación de unas imaginaciones de futuros posibles.

 

                                                       José Ballivián - Chola Cola

                                            Beatriz Millón Sánchez -  Neocolonialismo 

Carlos Alonso "Pintura y Memoria" - MNBA

Alonso comenzó a utilizar las ilustraciones de la carne luego de hacer un trabajo para la obra El Matadero de Esteban Echeverría. (Foto: María François)

El arte puede terminar en cualquier lado. Adornando un precioso living alfombrado, en la pared de un museo antiquísimo y poco visitado, viralizado hasta la banalidad, apilado en un garage mugriento de algún familiar indiferente. Los destinos son infinitos, pero a veces el arte tiene un sentido, un objetivo, un quehacer. Para Carlos Alonso, "el mejor destino para la obra es que pueda servir para expresar los sucesos y lo que acontece en la vida social; la ilusión es que el arte enriquezca la vida de la gente". 

¿Es posible trascender las barreras de lo protocolar y conmover en tiempos tan efímeros como los que corren? Este artista argentino de noventa años cree que sí. Lo ha expresado en cada entrevista que dio, pero también, y sobre todo, está claro en sus pinturas. Allí hay colores, hay técnica, pero también mucha sensibilidad social. Ese es su compromiso. Y lo ejerce desde el arte.

 "Lección de anatomía” (1970). Acrílico sobre tela, 210 x 200 cm (Foto: Magdalena Audap- Soubie)

...El título de la exposición es Carlos Alonso. Pintura y memoria y puede visitarse hasta el 14 de julio en el museo de la Avenida Libertador. Ahora, mientras recorremos esta gigantesca sala que se divide a su vez en varias, dialogamos con los curadores para ponerle palabras a esas imágenes tan potentes, tan concretas y a la vez tan simbólicas. "Esa una deuda que tenía el museo. Es uno de los grandes maestros", dice Pablo De Monte, curador, en diálogo con Infobae Cultura.

"Se hizo una muestra en los noventa —completa Florencia Galesio, también curadora, a su lado—, pero fue solo una serie. Faltaba una exposición que tuviera el carácter retrospectivo o antológico, que es un poco lo que tratamos de mostrar en este caso: un panorama bastante amplio dentro de la pintura, con corte del año 63 al 86". Mientras tanto, recorremos la sala principal de este museo colmado de obras. 

...Sus pinturas gritan. El dolor es un elemento presente —hay sangre, vendas, carne, miseria y muerte—, pero no desde el morbo o la desesperación, sino más bien como un prisma necesario para entender este duro mundo en el que vivimos.

  “La censura” (1969). Acrílico y collage sobre tela, 200 x 200 cm 

(Foto: Magdalena Audap- Soubie)

Si bien los curadores aseguran que no hay un recorrido único, empezar desde la izquierda resulta ideal. Lo primero es el cuadro Planta salvaje de 1989, donde una suerte de vegetación deforme contiene colores fuertes y una sensación de salvajismo. Podría ser el punto cero. Le siguen paisajes más cotidianos donde aparece el taller del pintor, frutas, más colores. Hay retratos de Vincent Van Gogh —una de las grandes inspiraciones de Alonso— con vendas en su oreja y de Lino Spilimbergo, con vendas en sus pies. Un pequeño cubículo que irrumpe en el recorrido. Allí, la etapa que Alonso pasó en Santiago del Estero. "En un momento deja el óleo porque dice que los tiempos del óleo no eran sus tiempos, y empieza a trabajar con el collage, que es la serie que está acá, la serie en blanco y negro. Allí experimenta las posibilidades del collage: pegar papel sobre papel e ir encontrando las figuras y las formas a medidas que superpone papeles y manchas de tinta", cuenta Galesio.

Pero, ¿quién es este pintor y por qué ocupa un lugar vital en el arte argentino? "La gente muy, muy joven tiene una idea aproximada de quién es Alonso —dice De Monte—, pero yo, que tengo más de cincuenta años y estudié arte en los años que volvió la democracia, te puedo decir que Alonso era el modelo a seguir. 

Todos queríamos dibujar como Alonso o ser Alonso. Era un artista comprometido, tenía todos los perfiles a los que uno puede aspirar. Es un gran dibujante y ese virtuosismo técnico, como alumno de arte, era el modelo a seguir". Nació en la ciudad mendocina de Tunuyán en 1929 y allí permaneció hasta los siete años, cuando su familia se trasladó a la capital provincial. No había herencia artística en su casa, mucho menos libros y bibliotecas, sin embargo una sensibilidad mayor lo marcó y a los catorce entró en la Academia Nacional de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Cuyo. 

Figuras de anteojos oscuros y bigote como reminiscencia de un carácter marcial, tienen el control sobre las víctimas que yacen en las camillas, metáfora de la mesa de torturas. 

Su técnica adquirió vuelo cuando llegó a Europa y conoció de cerca la tradición occidental. No fue fácil, primero participó en concursos y salones locales. En 1953 llegó a Buenos Aires —todo un logro para un artista del interior—, a la Galería Viau, y logró conseguir el dinero para cruzar el Océano Atlántico. Expuso en París y Madrid y más tarde llegó a Londres, donde descubrió el acrílico, técnica que adoptó inmediatamente por su secado rápido y la fuerza de sus colores. En aquellos años tuvo dos grandes iluminaciones. Primero, Diego Velázquez. No tenía treinta cuando se topó con sus pinturas. "Ni aunque viva mil años voy a pintar así", pensó. Fue "un shock al revés", dijo al recordar el momento en una entrevista reciente. Pero después vino Vincent van Gogh, quien "dejó de pintar a la monarquía para pintar su propio zapato". "Esto sí lo puedo hacer", pensó. Conmovido, dos mundos se le aparecieron: la precisión estética y la cercanía emocional. En el medio Alonso se tiró a dormir un rato, a soñar y luego a pintar.

Volvió con todo. Expuso en varios lados. Pintó y creó y nunca paró. Su obra llegó a México, a Cuba, a Italia, incluso sus ilustraciones de Don Quijote de la Mancha —publicadas por la editorial Emecé para ilustrar la segunda parte de este clásico de la literatura hispana— se editaron en la Unión Soviética en 1963 bajo la forma de tarjetas postales, colección compartida con pintores de renombre mundial como Gustave Doré, Honoré Daumier y Pablo Picasso. Pero el quebranto fue la inhumana dictadura cívico-militar argentina de 1976. No sólo por la mordaza que recibió su inquietante obra, sino también porque perdió a su hija, Paloma Alonso, desaparecida por el terrorismo de Estado.

  Manos anónimas” (1976 – reconstrucción 2019). Instalación.

"Sufrió la censura en varias oportunidades —cuenta Florencia Galesio—. Una de ellas fue en el Palais de Glace, cuando exponía la muestra Panorama de las artes visuales II organizada por la Fundación Lorenzutti. Le censuraron las obras relacionadas con La lección de anatomía de Rembrandt. Junto con él, y en solidaridad a Alonso, se fueron varios artistas de esa muestra. Después de eso realizó la obra La censura, una respuesta a ese momento. Luego tuvo que exiliarse. Vivió en Italia, primero, y después en España. Una hija desapareció en la dictadura. Tiene un contexto vital bastante problemático vinculado con la realidad que vivía el país".

La muestra habla con franqueza y si por momentos se vuelve levemente críptica enseguida el espectador atrapa significados. La complejidad aparece en las formas, en su capacidad estética para contener varios elementos en una misma pieza, sin embargo los mensajes son directos y efectivos. La tristemente célebre foto de la muerte del Che Guevara se mezcla con el clásico cuadro de Rembrandt, por ejemplo. La miseria está presente en el cuerpo de niños con las panzas enormes y los cuerpecitos delgados. Además, en el centro, una instalación imponente. Se llama Manos anónimas y es una reconstrucción. Detrás de ella hay una historia. En 1976 iba a ser expuesta en este mismo museo pero fue censurada a último momento. Entonces todas estas partes —hay un militar, el busto de un prócer dado vuelta, las medias reses colgadas que se confunden con extremidades humanas— que permanecieron guardadas en la casa del artista hoy vuelven en esta reconstrucción. 

"Son varias décadas de producción", dice Pablo De Monte, y continúa: "Él fue recorriendo todo lo que pasaba en la pintura. Lo central en esta muestra es la pintura, aunque tiene una faceta muy grande como ilustrador y como dibujante. La pintura para él es como el centro porque en los años sesenta muchos plantean la muerte de la pintura, que ya no tenía sentido seguir pintando. Eso lo proponía el Instituto Di Tella y dio lugar a un enfrentamiento entre los artistas pintores como Alonso y los del Di Tella, artistas más conceptualistas que rondaban el pop". "Para él eso fue una provocación que lo incitó a pintar más. Ahí aparece la figura de Spilimbergo como modelo en sus obras: el oficio del pintor", completa Galesio. "Sí, y cuando empezó todo este debate realizó cerca de cincuenta retratos de Spilimbergo", agrega De Monte.

 “Sin pan y sin trabajo” (1966). Acrílico sobre tela, 162 x 226.

Carlos Alonso. Pintura y memoria es una muestra que sin dudas atraviesa al espectador atento. Es muy difícil no sentirse interpelado por un artista con esta precisión estética y esta cercanía emocional, pero sobre todo por su sensibilidad social. "El texto argentino que atraviesa toda su pintura es El matadero, de Esteban Echeverría, con esta cosa de enfrentamiento de argentinos de dos facciones. En su producción aparece la carne, pero también esa violencia que está siempre latente en nuestra sociedad", comenta De Monte, y agrega: "También hay una metáfora de todas las miserias que ocurren en el mundo. Ahí su obra adquiere una dimensión más universal". Tal vez eso sea Alonso, y a partir de esta retrospectiva en el Bellas Artes quede demostrado para siempre: un imponente y sensible artista universal.

https://www.infobae.com/cultura/2019/04/19/carlos-alonso-el-pincel-y-el-corazon-de-un-artista-universal/

Autoevaluación Bayón - De Zendegui

 

Iglesia de la Compañia de Jesús en Cusco 

 

Iglesia de San Pedro - zona del mercado de San Pedro - Cusco/ Perú

Autoevaluación Bayón - De Zéndegui

BAYON, Damián. Sociedad y Arquitectura Sudamericana.
DE ZENDEGUI, Guillermo. Arquitectura, Estilo y Ambiente.

1) DIFERENCIE LOS SIGUIENTES CONCEPTOS Y EJEMPLIFIQUE:

-Arquitectura Culta

-Arquitectura Espontánea

2 ) DEFINA SERIE Y CABEZA DE SERIE – CITE EJEMPLOS

3) QUE FUERON LAS LEYES DE INDIAS Y COMO DEFINEN EL ARTE COLONIAL AMERICANO EN VINCULACIÓN A UN MODELO URBANO Y SU RELACIÓN CON TERRITORIO.

Un son para Portinari

 

https://www.youtube.com/watch?v=43iYJ03pS8A

Para Cándido Portinari
la miel y el ron,
y una guitarra de azúcar
y una canción,
y un corazón.
Para Cándido Portinari
Buenos Aires y un bandoneón.

Ay, esta noche se puede, se puede,
ay, esta noche se puede, se puede,
se puede cantar un son.

Sueña y fulgura.
Un hombre de mano dura,
hecho de sangre y pintura,
grita en la tela.
Sueña y fulgura,
su sangre de mano dura,
sueña y fulgura,
como tallado en candela;
sueña y fulgura,
como una estrella en la altura,
sueña y fulgura,
como una chispa que vuela...
sueña y fulgura.

Así con su mano dura,
hecho de sangre y pintura,
sobre la tela,
sueña y fulgura,
un hombre de mano dura.
Portinari lo desvela
y el roto pecho le cura.

Ay, esta noche se puede, se puede,
ay, esta noche se puede, se puede,
se puede cantar un son!

Para Cándido Portinari
la miel y el ron,
y una guitarra de azúcar
y una canción,
y un corazón.
Para Cándido Portinari
Buenos Aires y un bandoneón.

 

Compositores: Nicolas Cristobal Guillen Batista / Horacio Salinas Alvarez

Letra de Un Son para Portinari © Editorial Lagos

Artista: Inti-Illimani

Álbum: Palimpsesto

Fecha de lanzamiento: 1981

 

Marta Taba

Obra de referencia indiscutida en el terreno del arte latinoamericano,
la autora presenta en este libro su controversial postura sobre el colonialismo cultural y el aplanamiento de las diferencias frente a los cuales propone resistirse.
Marta Traba se pregunta en que medida el arte latinoamericano se somete arbitrariamente a las corrientes europeas y norteamericanas y asume preocupaciones que no son suyas. Traba realiza un original análisis
de las vanguardias a partir de un mapa del continente en el que confronta las áreas abiertas de Buenos Aires y Caracas, expuestas a las influencias europeas, con las áreas cerradas de Bogotá y Lima, caracterizadas por el tiempo circular de sus tradiciones. Frente a lo que llama el arte de la entrega y la estética del deterioro, propone un arte de la resistencia.

                                
                                https://martatrabaenlinea.wordpress.com/